14 maravillosas esculturas de arena.

Éstas son algunas esculturas hechas con arena del escultor Joo Heng Tang, también conocido como Vincent Sand  Gogh (arena en inglés es “Sand”). 

 
Joo Heng Tan ha sido en tres ocasiones campeón del mundo en este tipo de arte. Comenzó la creación de esculturas de arena en el año 1990. Una escultura de un 3 por 3 metros la suele realizar en un día. En algunos  proyectos necesita cerca de 18 toneladas de arena.
 
Con intrincados diseños que ofrecen paisajes, templos y hasta una catedral gigante, uno pensaría que estas obras deberían estar expuestas en una galería de arte.
 
Pero las increíbles piezas están hechas de arena y desafortunadamente para Joo Heng Tan, sus detallados diseños solo duran horas, o en el mejor de los casos, días.

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Nadie sabe cuando se hizo la primera escultura de arena. Algunas hipótesis dicen que pudo ser en el antiguo Egipto, dónde se hacían previamente con arena lo que luego serían las pirámides y otros monumentos. A diferencia de las construcciones hechas con piedra, la duración de este tipo de esculturas es muy efímera.

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Como bien sabes, la arena mojada no se endurece, como el cemento. Tan pronto como se seca, se derrumba. La proporción ideal para la construcción de estatuas de arena es 8:1. Es decir, 8 partes de arena por una de agua, aunque esto no es una ciencia exacta. Existen algunos matices.

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Gran diseño. Uno de los trabajos más espectaculares de Vincent Sand  Gogh es esta espectacular catedral, con ventanas y torres:

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El dragón. Una bestia mítica hecha enteramente con arena:

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Un R2D2 hecho de arena, y no, no está en una playa muy muy lejana. Está en la tierra.
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Otro dragón y un guerrero. Parece increíble que esta obra esté hecha con la humilde arena y un poco de agua.
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RIVEROS, UNA EXPERIENCIA DE ARTE

En algunas ocasiones, cuando se trata de realizar un acercamiento a un tema como lo es la pintura convertida en exquisito arte por medio de las palabras, éstas, indudablemente, se quedan cortas.

Para entender realmente lo que reúne este pintor colombiano, hay que conocer el alcance de su experiencia y de su vida. Nacido en Ocaña, Norte de Santander, el maestro Riveros descubrió su gusto y su increíble talento para la pintura. Desde su infancia, los días se resumían en buscar los colores, los lápices, las hojas y algún pretexto para dibujar, en cualquier momento, en cualquier lugar. No le alcanzó al mundo poner la oscuridad de la noche ni a la gente su descontento con el arte como profesión para detener la pasión de Riveros por expresar su vida a través del pincel.

Aún hoy, el tiempo y los años no le han robado ni un poquito su amor al arte y, por lo contrario, han reforzado su constancia e intensificado su identidad como pintor colombiano.

La obra de transición del maestro Jorge Riveros recoge los vestigios del pasado geométrico y los funde con manchas de colores vivos que invitan a entremezclar su experiencia con la innovación y con la valentía de saborear lo nuevo, distinto y único. Posteriormente, el maestro Riveros va un poco más allá, y abandona por completo sus últimas representaciones de la trabajada y profundizada época constructivista.

La obra actual, recobra y establece la vida a través de los colores, las formas y la estructura, afirmando la experiencia, el conocimiento y la constancia de su incansable trabajo. Cada cuadro nos regala innumerables historias de los caminos de colores que recorren las esquinas y los centros, que se esconden y luego salen del cuadro invadiendo todo a su alcance. Sin embargo, si se analiza con detenimiento, los colores son pocos, repartidos de forma lógica sobre el lienzo, recogiéndose los unos con los otros para trazar las uniones invisibles del imaginario.

Todo momento es diferente y novedoso con la obra del maestro Riveros que conoce a profundidad el verdadero significado de la pintura con pasión. Hundirse y perderse entre la  maravilla de sus colores hacen de cada día, una experiencia de arte.

Katharina Beeck

Bogotá, Enero 2010

Museo en China es cerrado por piezas falsas de arte

El museo, construido en la provincia de Hebei (norte) y con un costo de 540 millones de yuanes (67 millones de euros), “no tiene ninguna calificación como museo, pues sus colecciones son falsas”, dijo un funcionario provincial al Global Times.

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Pekín.- Las autoridades chinas ordenaron el cierre de un museo lleno de objetos falsificados, entre ellos un jarrón ilustrado con un pulpo sonriente supuestamente de la época de la última dinastía imperial, informó el martes la prensa estatal.
El museo, construido en la provincia de Hebei (norte) y con un costo de 540 millones de yuanes (67 millones de euros), “no tiene ninguna calificación como museo, pues sus colecciones son falsas”, dijo un funcionario provincial al Global Times.
Una investigación fue abierta sobre los fundadores del museo, acusados por la población local de dilapidar los ingresos públicos obtenidos gracias a la venta de tierras, precisó el diario.
Entre las obras falsas figura un jarrón presentado como de la dinastía Quing (1644-1911) y otros objetos que se atribuían a la época del emperador amarillo –quien habría reinado en el siglo 27 antes de nuestra era–, pero habrían sido fabricados a mediados del siglo pasado.
Cuando Wang Zhongquan, dirigente local del Partido Comunista, comenzó a formar la colección, “estaba dispuesto a comprar todo lo que le llevaran”, afirmaron vecinos del lugar.

Wang habría comprado así más 40.000 objetos falsos, añadieron los vecinos.

El propio Wang dijo por su parte que “solo quiso promover la cultura china” y que “incluso los dioses no habrían podido distinguir lo auténtico de lo falso entre las piezas expuestas”.

Fuente: http://www.eluniversal.com/arte

Hoy 6 de julio se cumplen 106 años de historia de la pintora Frida Kahlo, figura destacada del arte mexicano.

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Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Ciudad de México, 6 de julio, 1907- 13 de julio, 1954) hizo de su vida una obra de arte. En sus pinturas expresó sus fantasías y sentimientos por medio de un vocabulario propio, representó la relación con su esposo el pintor Diego Rivera, cómo sentía su cuerpo, sus enfermedades consecuencia de un trágico accidente, la incapacidad de tener hijos, su filosofía de la naturaleza y del mundo.

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A 106 años de su natalicio, se recuerda a la artista convertida en un referente de la cultura popular mexicana a nivel mundial, identificada como una mujer que defendió sus ideales, y encontró en la pintura una forma de sobreponerse al sufrimiento físico.

 

“Frida Kahlo fue una de las primeras pintoras que recurren a su  biografía para trasladarla a un soporte como es la pintura y ahí radica su importancia. Anteriormente no se consideraba tan relevante en la vida de un artista sus momentos. Frida trasladó a la pintura toda su experiencia personal, ahí radica la novedad e importancia de su obra, sobre todo en sus autorretratos”.

El doctor en historia del arte, Eugenio Garbuno Aviña, dijo que en la obra de Frida Kahlo es evidente una catarsis de angustias personales, lo que no va en detrimento de su obra de calidad. “Frida recrea mucho lo que es el imaginario de la cultura, después en el país. Representa desde modos diversos su realidad relacionada con su propio contexto histórico social, porque sus obras son representaciones en las que está en diversos niveles”.

La pintora mexicana nacida en Coyoacán tenía ideas, convicciones, y quería decir su verdad. “Hay varias personas que respaldan la gran importancia de su obra misma que tiene un alcance universal, netamente representativa de la historia del arte, que se debe a su obra de gran calidad plástica y pictórica”.

Las obras de Frida Kahlo a pesar de su evidente sencillez formal, y de lo directo de sus temas, incluso cuando aparentemente se trata tan sólo de un autorretrato o de una naturaleza muerta, tienen una profundidad filosófica extraordinaria, por lo que permiten una multiplicidad de lecturas que parecen inagotables.

“Independientemente de su biografía, la obra de Frida Kahlo es extraordinariamente poderosa y es hora de que comencemos a separarla de su vida. Sus temas ciertamente parten de lo personal, pero esto sucede con todos los artistas. En el caso particular de Frida, más allá  del morbo y del voyeurismo que caracterizan a nuestra sociedad, el interés por lo biográfico alcanzó dimensiones descomunales”.

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La doctora en historia del arte por la Universidad de Rutgers, New Jersey, Estados Unidos, explicó en entrevista que las obras de Frida Kahlo encuentran tanto eco en el público actual porque su obra es mucho más que la expresión del sufrimiento físico que experimentó y representó con lo que la artista logró expresar sentimientos de carácter absolutamente universal, a través de su particular iconografía personal.

“Quizá Frida Kahlo, a raíz de su dolor, se sensibilizó más que otros artistas para capturar el sufrimiento propio de la vida humana en general, y de la sociedad mexicana en particular, pero es justamente en ese sentido simbólico mucho más amplio de su iconografía, el que le permite ir de lo personal a lo político, o de lo subjetivo a lo social; en donde reside la grandeza de su obra”.

La también editora de Nierika. Revista de Estudios de Arte, destacó que la obra de la tercera hija de Guillermo Kahlo, fotógrafo de ascendencia judeo-húngara, nacido en Alemania y la mexicana Matilde Calderón, sigue vigente porque mucha gente se identifica con sus imágenes, especialmente las mujeres y los grupos socialmente marginados de una u otra forma.

“Frida Kahlo se animó a representar, a sacar a la luz, a visibilizar temas y sentimientos que generalmente son tabú en nuestra sociedad: el parto, la pérdida de un bebé, la homosexualidad. Su obra desenmascara muchas de las convenciones sociales que pesan sobre la vida de mucha gente y ayudan así a que tomemos conciencia sobre las construcciones sociales que nos presionan y de las que somos objeto, sacándonos así de la perjudicial creencia de que somos los únicos, y los anormales”.

Renuevan la más grande colección pública de arte. Así celebra el Banco de la República sus 90 años de servicio.

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Adquisiciones plásticas del Banco de la República estrenan puesta en escena.

Fueron trece años los que duró vigente la anterior puesta en escena de la colección, que llegó a mostrar 280 obras, de las 4.727 que hasta ahora ha acuñado el banco. Ahora, habrá cinco nuevos guiones y curadurías; es decir, cinco nuevas formas de presentar y articular las piezas de la colección, para contar determinados periodos históricos y artísticos.

Así, cuando se abran al público todas las salas en las que se llevan a cabo estas curadurías, los asistentes podrán ver más de ochocientas obras. De hecho, ya está abierto el primer montaje, que da la bienvenida a todo el recorrido por la colección y cuenta con unas cien piezas. Las siguientes tres curadurías se abrirán al público el próximo 26 de julio, como parte de la conmemoración de los 90 años del Banco de la República y expondrán quinientas obras. Pero habrá que esperar hasta octubre para ver la última, que mostrará unas doscientas.

Múltiples voces

Efraín Riaño, director de la Unidad de artes del Banco, afirma que el “propósito esencial es poner a dialogar a todas las colecciones: colombiana, latinoamericana e internacional, más la de la Biblioteca Luis Ángel Arango y la del Museo del Oro”.

Para ello, establecieron relaciones temáticas, pues “muchas de las preocupaciones que tenían los artistas coloniales siguen siendo temas problemáticos para los artistas contemporáneos”, apunta Castañeda.

Ahora bien, eso no significa que se haya perdido el hilo conductor cronológico. De hecho, cada uno de los montajes está delimitado por épocas. Además, cada una de ellas fue consolidada por expertos externos al banco, que aportaron sus miradas y lecturas.

Así, no hay una visión unilateral, sino que cada curaduría aporta desde diferentes ejes. De ahí que el acervo de obras que ha coleccionado el banco desde 1957 se pone en circulación con nuevas lógicas y dinámicas.

En ese sentido, Ángela Pérez, subgerente cultural del banco, apunta que “al ser una colección de todos, nuestra labor es hacer público lo público; por eso, queremos facilitar los medios, miradas, relaciones y cruces para que las colecciones dialoguen entre sí, y, sobre todo, para que la gente dialogue con la colección”.

Doce salas albergarán estas curadurías. La primera comprende del siglo XVI al XVIII y fue denominada Los primeros tiempos modernos, a cargo del historiador Jaime Borja. A esta, le siguen Rupturas y continuidades, que se dedica al siglo XIX, bajo la batuta de la artista y curadora Beatriz González.

Posteriormente, El arte en libertad, que va de 1910 a 1950 y fue creada por el curador Álvaro Medina. Continúa Clásicos, experimentales y radicales: Itinerarios del Arte en Colombia, contemplada desde 1950 hasta 1980, bajo la lupa de las historiadoras de arte Carmen María Jaramillo y Sylvia Suárez. Por último –desde octubre–, se verá la curaduría que revisa la producción plástica desde 1980 hasta 2013, y estuvo a cargo de los investigadores Carolina Ponde de León y Santiago Rueda.

Pérez concluye que “la institución cedió la autoridad y se la entregó a esta polifonía de expertos, que, de la mano del equipo técnico del banco, tejió una diversidad de guiones. Y lo esencial es que las narraciones que ellos hacen son, antes que nada, herramientas para que se genere conocimiento en torno a esta colección de arte”.

Copiado de: http://www.eltiempo.com

Periodista:Melissa Serrato Ramírez

Cultura y Entretenimiento

Fuente: Banco de la República

http://www.banrepcultural.org/blog/noticias-de-la-actividad-cultural-del-banco-de-la-rep-blica/en-la-colecci-n-de-arte-del-banco-d

Publicación del diario alemán “Bild Nachrichten” en el año 68

Ésta imagen muestra la publicación realizada por el diario alemán  “Bild Nachrichten” sobre la exitosa carrera del reconocido artista colombiano Jorge Riveros.

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EXCLUSIVA COLOMBIA

JORGE RIVEROS EN BONN

 

La pintura moderna ya hace tiempo que es no es cosa solamente de un pequeño grupo artístico. Se demostró recientemente de nuevo con ocasión de la inauguración de una exposición dedicada al pintor colombiano Jorge Riveros en la capital federal de Bonn. Ya los primeros visitantes se mostraron hondamente impresionados por la intensidad de colorido de los cuadros abstractos de éste joven artista Latinoamericano.

Jorge Riveros presentó su amplia gama de obras, veinte cuadros. Los motivos fueron exclusivamente impresiones latinoamericanas. A los espectadores les llamo la atención el hecho de que Riveros variaba por ejemplo un mismo motivo cuatro y cinco veces.  El pintor colombiano vive actualmente en la República Federal de Alemania y ya ha expuesto en 1966 en el Ibero-Club de Bonn y en la sociedad Germano- Iberoamericana.

A la inaguración de la exposición en Bonn en los pasados días había asistido también el embajador de Colombia, su excelencia profesor Dr, Carlos Restrepo Piedrahita para dar la “bienvenida” al embajador del arte colombiano. Aparte de miembros de la embajada de su país, alemanes, amigos de Colombia, vinieron así mismo numerosos otros diplomáticos de las representaciones latinoamericanas y europeas, entre ellos también el embajador de España, su excelencia Jose de Erice. En 1964 estudió y trabajó Jorge Riveros en España. Una exposición en la que  en 1967 presentó sus obras en Barcelona, fue un pleno éxito.