Serie Fundamentos #15

Serie Fundamentos #15 - Jorge Riveros

Serie Fundamentos #15 – Jorge Riveros

Título: Serie Fundamentos #15
Año: 1972
Tamaño: 120 x 120 cm
Técnica: Óleo / Lienzo

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Jorge Riveros expresa los ‘Sueños pospuestos’

Jorge Riveros sueños expuestos

Una valiosa exposición de arte de abstracción geométrica se presenta en el Museo de Arte Moderno de Bogotá.
El artista Jorge Riveros (Ocaña, 1934) exhibe los bocetos realizados en Alemania durante la década del 60 que en los últimos años rescató para terminarlos y presentar ahora su exposición ‘Sueños pospuestos’.

En la exposición “Riveros nos demuestra que es posible ir más allá de la linealidad en los procesos de creación sin dejar de lado la coherencia. Nos recuerda que está permitido volver atrás y rescatar lo necesario para seguir avanzando en el desarrollo de una búsqueda singular”, según las palabras de Gloria Zea.

Las obras, que se muestran en el MamBo, están dedicada a su esposa Ingeborg Beeck, quien murió el año pasado. El homenaje que le hace el artista lleva al espectador a través de un universo de la geometría. “Es la pureza en la forma y en el color que hace de la exposición un verdadero gusto para los amantes del constructivismo y el abstraccionismo geométrico”, agrega Zea.

En 1960 cuando tuvo su primera exposición individual de obra figurativa–impresionista, a partir de ese momento el artista se consagró a la geometría constructivista de avant-garde.

El evento de cierre de la exposición será este 27 de agosto a las 7 p. m. en el Museo de Arte moderno de Bogotá (Calle 24 # 6 – 00). Para más información ingrese aquí.

Entrevista con el curador Eduardo Serrano:

Fuente: Semana.com

Exposición Jorge Riveros: Sueños Pospuestos

jorge riveros sueños expuestos
El Museo de Arte Moderno de Bogotá, presenta Jorge Riveros: Sueños Pospuestos.  Una muestra que abarca pinturas y esculturas del artista colombiano ideadas y bocetadas en las décadas del sesenta y el setenta. La mayoría fueron materializadas a partir de los años noventa y su desarrollo está planteado desde la abstracción geométrica.

Eduardo Serrano, curador de la muestra, señala “…es importante aclarar que si bien algunas de sus primeras obras fueron, como era de esperarse, figurativas, tendencia en la cual se desempeñó como profesor en diversas instituciones bogotanas, desde antes de su viaje a Alemania, ya en su mente rondaba la atracción por la pintura abstracta, la cual había llamado su atención, al igual que la de otros  artistas colombianos, a través de los libros de la editorial Skira, una de las pocas publicaciones accesibles cuyas reproducciones eran bastante adecuadas para la época. Y tampoco es extraño, en consecuencia, que esta atracción por la abstracción lo hubiera conducido a interesarse en la obra del artista uruguayo  Joaquín Torres García, introductor de una particular manera de constructivismo en América  Latina, ni que hubiera devorado con sobrado interés su extenso e influyente libro El Universalismo Constructivo,el cual le proveería los primeros argumentos conceptuales acerca del arte abstracto…”

La  exposición estará abierta en las salas superiores del museo, del 23 de julio al 31 de agosto de 2015.

Fuente: http://www.artnexus.com/

En torno a La Bauhaus en el ciclo de exposiciones “Vanguardia y Arte Internacional”. Galería Leandro Navarro

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La Galería Leandro Navarro presenta la exposición “Vanguardia Internacional III. Entorno a la Bauhaus”, la tercera dentro del ciclo de muestras dedicadas al arte europeo de vanguardia. Un interesante recorrido histórico artístico por los principales protagonistas de la Escuela de diseño, arquitectura y artes plásticas, fundada en 1919 en plena República de Weimar por el urbanista, arquitecto y teórico del arte alemán, Walter Gropius (1883-1969), bajo el nombre de Bauhaus. La exposición se enmarca en el seno de una temática destinada a desvelar el impulso que esta agrupación de enseñanza y trabajo colectivo estatal mantuvo a lo largo de varias décadas primero en Weimar, después en Dessau y por último en Berlín, hasta su clausura durante el régimen nazi y su posterior exportación a USA por el artista y fotógrafo de origen húngaro Moholy Nagy a finales de los años 30. La filosofía de “aprender trabajando”, el aprovechamiento del desarrollo industrial enfocado a la construcción de modelos para la producción en serie, el sincretismo de todas las artes y la cooperación entre profesores y alumnos, fueron algunas de las revolucionarias premisas desarrolladas por Gropius y sus sucesores (Meyer y Van der Rohe) durante los tiempos de la Bauhaus, constituyendo sus distintas sedes los centros más activos del Arte Moderno Internacional.

La exposición de la galería Leandro Navarro pretende acercar al gran público a nombres esenciales de este momento álgido de las vanguardias constructivistas de pensamiento socialista en su amalgama de corrientes creativas innovadoras, muchos de los cuales desempeñaron un papel fundamental siendo profesores de la Bauhaus, como es el caso de Paul Klee, Wassily Kandinsky, Lyonel Feininger, El Lissitzky, Oskar Schlemer, Josef Albers… Algunas de estas primeras figuras se encuentran representadas con importantes obras en esta exposición: Albers, Kandinsky, Schlemmer o Klee.

Junto a estos pintores, escultores y diseñadores fundamentales en el desarrollo del arte moderno europeo inspirados directa o indirectamente por los postulados racionalistas de la Bauhaus, esta interesante muestra ofrece significativos trabajos de artistas españoles de vanguardia como Joan Miró, Pablo Gargallo, Juan Gris y Pablo Picasso. Asimismo cuenta con la obra de Joaquín Torres García, pionero en los lenguajes del nuevo arte. Todos ellos vivieron y desarrollaron su arte durante los difíciles años de entreguerras dentro de una Europa en profunda crisis política, social, económica…

La muestra “Vanguardia Internacional III, En torno a la Bauhaus” podrá visitarse hasta el próximo 30 de abril en la Galería Leandro Navarro, c/ Amor de Dios, 1, de Madrid.

Fuente: infoenpunto.com

Julio Le Parc: ¡Cinéticamente suyo!

Alumno de Fontana, miembro fundador del Groupe de Recherche d’Art Visuel, activista del op art desde hace unos 50 años, un maestro del movimiento de la luz. Podrá verse en la Galería Lélia Mordoch de París hasta el 25 de octubre.

Julio Le Parc nació en 1928 en Mendoza, Argentina. Con catorce años entró en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y con una beca de estudios en el bolsillo se estableció luego en París. Especialmente influido por Vasarely, se desvió del arte tradicional para orientarse hacia un campo nuevo de investigaciones plásticas, donde el entramado de la luz, el color y el movimiento inspiraron sus primeros objetos cinéticos. En 1960, fundó el Groupe de Recherche sur l’Art Visuel (GRAV) junto con otros compañeros de viaje como Hugo Demarco, Francisco García Miranda, Horacio García Rossi, François Morellet, Sergio Moyano Servantes, Francisco Sobrino, Molnar, Yvaral y Joël Stein, con los que elaboró obras de vocación colectiva que preconizaban la cuestionabilidad de los principios de la creatividad y del mérito del artista. Escogido en su día para participar en el Documenta III de Kassel, Julio Le Parc obtuvo el premio de pintura en la Bienal de Venecia de 1966. Ese año fue también el de su primera exposición personal en la Galería Howard Wise de Nueva York, experiencia que repetiría en 1967. Gracias al éxito privado, el artista pudo adquirir su primer taller en París en el barrio de la Bastilla, donde vivió en familia con su mujer y sus tres hijos. Finalmente se instaló en Cachan hacia 1972, donde transformó un espacio de envergadura que todavía conserva. Homenajeado por varias retrospectivas en Europa (Alemania, Francia, España), así como en América del Sur (Argentina, Uruguay, Venezuela, Chile), a partir de entonces Julio Le Parc ha estado representado por las principales instituciones de todo el mundo. Ejemplo de ello son el Moma de New York, la Tate Britain de Londres, el Museo de Arte Moderno de París…

Renaud Siegmann: A su juicio, ¿qué diferencia existe entre el arte cinético y el arte óptico? ¿Cuál es la diferencia entre estas dos denominaciones del arte abstracto, estos dos movimientos de vanguardia nacidos en París a finales de los años 50?

Julio Le Parc: Creo que son clasificaciones artificiales que pretenden recuperar artistas, más que comprender los medios materiales que utilizan, las técnicas. Observemos a los artistas que trabajan con ordenadores o con vídeos: explotan un material muy próximo. Los agrupamos alrededor de un mismo contenido. Es un poco simple. Ante una misma situación, con el arte cinético, la idea gira alrededor de un movimiento. En pocas palabras, la crítica ha juntado muchas firmas haciendo eso. Una vez más, es limitativo. Lo mismo ocurre con el arte óptico, en el que hemos visto una relación entre la superficie de las cosas, el ojo, la retina… Mientras que el interés de un movimiento reside en su búsqueda, en su marcha. En fin, todo lo que nos lleva a sus conceptos, a sus modelos de creación.

Renaud Siegmann: De la pintura a la escultura, de instalaciones a móviles… su campo de creación parece que tiende hacia la desmaterialización de los soportes, esa situación en la que no hay nada más que espacio, movimiento, color, luz…

Julio Le Parc: Todo depende. En mis comienzos, trabajé en esa dirección, con soportes que ya no eran la superficie representada, por ejemplo un lienzo, sino una situación nueva que creaba cambios en la superficie del cuadro. Y el movimiento provocado podía aparecer en profundidad, ya fuera más adelante, más atrás, algo que situaba al observador en un nivel intermedio en la relación entre estos dos estados, en el plano óptico. Por un lado, con una visión focal dirigida hacia el objeto; por otro, con una visión periférica de la obra, y esto, a través de otras imágenes estimuladas por otros objetos dispuestos alrededor.

Renaud Siegmann: Como artista experimental, ¿dónde se sitúa usted con respecto al minimalismo?

Julio Le Parc: El minimalismo es en lo que me concierne un punto de partida a partir del cual deseé explorar otros espacios, elaborar un contexto visual nuevo, con la voluntad de no pararme en el aspecto minimalista, puramente aritmético de la obra. Pero tenía la ambición de ir más allá del plano geométrico mediante la incorporación de elementos exteriores para multiplicar ahí las situaciones plásticas.

Renaud Siegmann: Con la fundación del GRAV, usted planteó el problema en 1960 de la creación artística y más concretamente de todo lo que se había hecho en términos de fenómeno óptico en la construcción de la obra: su estructura, su concepción, etc.

Julio Le Parc: En la base de nuestra reflexión, había trabajos de Klee, Mondrian, Pevsner, Vantongerloo, Moholy-Nagy, Sophie Taueber, Duchamp, Albers, los constructivistas en general, Max Bill, Schöffer, y después Vasarely, que había sabido proporcionar una presencia muy fuerte a la obra en el plano visual, en concreto durante su período blanco-negro. Sin olvidar a los más jóvenes también: Tinguely, Agam, Bury, Soto. Analizando sus puntos fuertes, sus contradicciones, sus limitaciones, desarrollamos nuestra conducta para dejar atrás el camino que ellos habían trazado. En el interior del GRAV y de Nueva Tendencia (NT) -los grupos N de Padua y T de Milán-, se adelantaron múltiples proposiciones sostenidas por experiencias precisas, realizaciones concretas, posiciones claras que alentaban la prioridad visual de la obra, el trabajo sistemático, la participación del espectador, el aspecto lúdico, etc. Denunciaban la mistificación que se había hecho del arte y del artista, también denunciaban, comprometiéndonos, la arbitrariedad del sistema artístico oficial, la dependencia recíproca del mercado del arte. En el seno del GRAV, cultivábamos una forma de creación bastante alejada de la que se practicaba en la época y que estaba basada en el individualismo, en la obra sacralizada, en el culto a la personalidad. Nuestra conducta se apoyaba esencialmente en una actitud de búsqueda continua, de intercambios, de una confrontación permanente.

Renaud Siegmann: ¿En qué piensa al hablar de mistificación?

Julio Le Parc: En algo que en los años 50-60 nos remite a la creación libre, a la pintura gestual, a montones de cosas que hacían referencia a filosofías como la Zen entre otras. Por eso, daba la impresión de que debíamos conocer determinados preceptos para acceder a las obras. De hecho, ¡especular sobre sus significados! El todo llegaba a interpretaciones que se alejaban del tema principal. Eso es la mistificación. Por nuestra parte, nosotros también representábamos tareas, pero exigíamos al público que realmente estuviera enterado. Si no, ¿cómo se puede apreciar el arte?

Renaud Siegmann: Recordemos incluso que la Galería Denise René ya había presentado en 1955 en París la primera exposición completamente consagrada al arte cinético bajo el título “Le Mouvement”…

Julio Le Parc: A pesar de todo, ¡era un conglomerado de personalidades! En la época, los que habían expuesto en la Galería Denise René no habían constituido un grupo, ni una reflexión, ni un trabajo en común. Después de eso, continuaron su camino individualista, acentuando en su espacio su propia particularidad. Era comprensible para Vasarely, mayor que los demás y cuya obra estaba en plena madurez. Son los otros quienes nos decepcionaron: nuestros proyectos para trabajar juntos se quedaron siempre en el papel. Ellos preferían guardar sus tesoros, sus cosas, porque nuestra actitud los ponía en tela de juicio.

Renaud Siegmann: ¿Qué cosas?

Julio Le Parc: Con Takis, eran los imanes; con Tinguely, los motores; con Agam, esa historia de desplazamiento; con Soto, la de la vibración. Pero existen muchos otros artistas monotemáticos a los que el mundo del arte sigue otorgando su reconocimiento. Lo que significa que la vinculación a un tema, la perseverancia en mantenerlo sobre diferentes soportes, permite construirse una identidad, una etiqueta, un estilo, una imagen de marca, es decir, un pasaporte hacia el éxito.

Renaud Siegmann: ¿Y usted?

Julio Le Parc: Los artistas del GRAV y de la NT no eran precisamente salvajes defensores de las pequeñas cosas, del pequeño hallazgo… Al principio, algunos de los nuestros mantuvieron que era necesario encerrarse, experimentar el género de laboratorio, muy universitario. Pero nosotros estábamos en contra. Porque nuestra búsqueda se situó siempre en relación al espectador, con el fin de establecer nuevas relaciones, participativas y lúdicas.

Renaud Siegmann: ¿Un trabajo de investigación casi científica cuyos resultados condujeron a efectos ultrasensoriales desde el punto de vista plástico?

Julio Le Parc: Ya se asocie al arte conceptual o incluso al experimental, la obra percibida como proposición abierta permite que el espectador tenga primero la experiencia él mismo. Sólo así la podemos llamar sensorial. También es en este sentido, este contexto, en el que situaría, si hiciese falta, al carácter de mi estética, entre interactividad e inestabilidad.

 

Fuente:  www.artfacts.net

“Object:Photo” Web interactiva del MoMA sobre fotografía de vanguardia

La web OBJECT:PHOTO es el punto de arranque de “una nueva forma de presentar fotografías” aprovechando las ventajas de la tecnología digital. El ambicioso site, que acaba de lanzar el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), está especializado en el estudio y catalogación de imágenes antiguas y permite a los internautas establecer sus propios criterios de selección, comparación y visualización, con herreamientas que hasta ahora no se encontaraban en ninguna otra fototeca del mundo. Fotogalería 9 Fotos Fotos de vanguardia para la nueva web del MoMA Para el estreno del proyecto, que ya está online y es plenamente operativo, han elegido uno de los cuerpos de obras más brillante de los fondos del museo, las 341 imágenes compradas en 2001 por el MoMA a Thomas Walther, un legendario coleccionista alemán especializado en la primera mitad del siglo XX.

En su momento se consideró que era el grupo de fotos más importante del mundo en manos de un particular y la opinión no era exagerada. También exposición física Entre las obras —que también se están exponiendo físicamente en el MoMA hasta el 19 de abril: Modern Photographs from the Thomas Walther Collection, 1909–1949 (Fotografías Modernas de la colección de Thomas Walter, 1909-1949)— hay unas cien firmas y la enunciación de algunos de los fotógrafos permite constatar que están todos los grandes maestros de la época: Berenice Abbott, Karl Blossfeldt, Manuel Álvarez Bravo, Claude Cahun, Alvin Langdon Coburn, Florence Henri, André Kertész, Germaine Krull, El Lissitzky, Lucia Moholy, László Moholy-Nagy, Aleksandr Rodchenko, Alfred Stieglitz, Paul Strand y Edward Weston.

El trabajo previo fija ‘nuevos estándares’ para la catalogación Desde 2010 el departamento de fotografía del museo neoyorquino ha sometido a labores de conservación y catalogación precisa a todas las imágenes de la colección. Además de especialistas en arte e historia, en el proceso se implicaron científicos y técnicos hasta formar un equipo que trabajó en evaluar el estado de las copias, restaurar aquellas que lo necesitaran, estudiar al autor, fijar las circunstancias y el momento en que fue tomada cada foto… Desde el MoMA aseguran que el trabajo fija “nuevos estándares” para el estudio, conservación y catalogación de las fotografías. ‘Todos los recursos del humanismo digital’ La web partió del deseo de presentar una colección de fotos desde una perspectiva que uniese la tecnología y las humanidades.

Aunque el objetivo central es la visualización digital de cada pieza, OBJECT:PHOTO permite a los visitantes “aprovechar todas las ventajas de las herramientas y recursos del humanismo digital”, dicen desde el museo. La navegación exquisita de la página ofrece al internauta la posibilidad de realizar su propia investigación, eligiendo obras o artistas para compararlos entre sí, moldeando líneas de tiempo a medida o descubriendo “conexiones o  momentos de intersección” de especial relevancia. La web ofrece una cantidad de información sin precedentes sobre las fotos Adicionalmente, la web ofrece a los estudiosos una “cantidad de información sin precedentes” sobre fotografías concretas, que pueden ser vistas en alta resolución por el anverso y el reverso. Incluso es posible examinar el estado de la copia mediante ampliaciones macroscópicas. Se añaden también datos bibliográficos e imágenes espectroscópicas y de rayos equis de las obras. La web también aporta ensayos técnicos y artistícos muy detallados: por ahora hay dos docenas, pero el museo promete añadir más.

Fuente:  www.20minutos.es

Este lunes reinauguran ‘La Esfera de Soto’ ubicada en la autopista Francisco Fajardo

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La obra del artista venezolano Jesús Soto ubicada en la autopista Francisco Fajardo a la altura del distribuidor La Carlota, identificada como La Esfera de Soto, será reinaugurada este lunes 22 de diciembre luego de haber sido removida a finales de julio de 2014 para ser restaurada y reubicada a 13,64 metros de su lugar original, en la autopista Francisco Fajardo. Continue reading

Wassily Kandinsky, precursor de la abstracción

Wassily ArteEl 16 de diciembre de 1866 (4 de diciembre del antiguo calendario ruso) nacía en Moscú Vasili Kandinski (o traducido Vasili Vasílievich), precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte. Se considera que con él comienza la abstracción lírica tendencia que se desarrolló a partir de 1910 con la Primera acuarela abstracta. Si bien estudió derecho y economía, más tarde se dedicó por completo al arte. Continue reading

Desde la ciencia el arte de Carlos Cruz Diez

Carlos Cruz DiezEn una actividad realizada en el IVIC, se demostró que detrás de las manifestaciones artísticas existen vinculaciones con las ciencias básicas como la física, matemática, biología, entre otras.

Carlos Cruz-Diez, uno de los máximos exponentes del arte óptico, concibe el color como una realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo y en el espacio real sin ayuda de la forma o necesidad de soporte. Bajo los principios de esta tesis, el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas (Ivic) realizó el primer encuentro de saberes en torno a la vida y obra de dicho artista plástico, donde participaron especialistas, técnicos, profesionales, docentes y estudiantes del nivel básico de la U.E.N Rómulo Gallegos. Continue reading

Los días felices de Sylvia Plath

Jorge RiverosUn libro reúne los «Dibujos» que la poeta estadounidense realizó en la primera etapa de su matrimonio con Ted Hughes

Pocos días antes de morir en octubre de 1998, el poeta Ted Hughes entregó a sus hijos Frieda y Nicholas, fruto de su matrimonio con Sylvia Plath, unos cuarenta dibujos de su madre. Aquel día, los hermanos descubrieron la pasión artística de la autora de «Ariel», una de las más grandes poetas del siglo XX. Continue reading