Los Cinéticos

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El movimiento, la velocidad como referencia de la modernidad y la máquina como símbolo del progreso tecnológico han estado presentes desde los inicios del discurso artístico de la vanguardia. Pero es en el París de los años sesenta donde, focalizados en torno a la galerista Denise René, un grupo de artistas, muchos de ellos latinoamericanos, le dan base programática al Arte Cinético. A partir de este momento se empieza a entender el factor cinético como una corriente que busca la expresión del movimiento en la creación plástica a través de varias vías: formando en la impresión óptica del espectador la ilusión de un movimiento virtual que realmente no existe; induciendo al espectador a desplazarse en el espacio para organizar mentalmente la lectura de una determinada secuencia; o realizando movimientos reales de imágenes mediante el uso de motores.

La muestra recorre la presencia del Cinetismo desde los inicios de la modernidad hasta las últimas manifestaciones artísticas. Por ello explora mediante una perspectiva transversal su presencia a lo largo de más de un siglo, lejos de las estrictas periodicidades y clasificaciones tradicionalmente establecidas, deteniéndose en corrientes como el Futurismo, el Constructivismo, el Dadaísmo o el Surrealismo, lo que permite  incorporar artistas no considerados técnicamente como cinéticos, pero que han jugado un importante papel a la hora de sentar las bases históricas de lo que se entenderá luego como Movimiento Cinético. Es el caso de Duchamp, Moholy-Nagy, Balla, Man Ray, Dalí o Calder. En la exposición se recoge también la huella del Cinetismo en el arte más reciente, estableciendo conexiones formales con artistas más jóvenes.

Por otra parte la exposición desea reinterpretar el alcance y significado del Cinetismo en América Latina como aportación propia al discurso general del arte moderno. El primer gesto proto-cinético en América Latina, se produce en Buenos Aires en 1944, cuando el artista Gyula Kosice crea una escultura móvil semiarticulada que exige la participación activa del espectador. Con el objetivo de rescatar la importancia de los artistas latinoamericanos en la corriente cinética, se redefine en la muestra la participación continental latinoamericana dentro del movimiento y se incorporan al proyecto, además de sus figuras más relevantes, muchas otras que no han tenido igual fortuna crítica. ‘Lo[s] Cinético[s]’ se erige, en este sentido, en un espacio que intenta resquebrajar la visión eurocéntrica del arte del siglo XX y destacar el reconocimiento de artistas latinoamericanos que realizaron una importante contribución al arte universal.

Fuente: museoreinasofia

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Técnica del esgrafiado o rascado del óleo en pinturas de Paul Klee

La técnica del esgrafiado o rascado de la pintura se refiere a cuando hacemos dos capas de pintura y rascamos la capa superior. Se pueden usar diversas técnicas pictóricas. Por ejemplo, es famosa la que utiliza ceras manley, con las que se colorea el papel y luego se cubre todo con una pintura acrílica, de modo que no se fusiona con la cera y se puede rascar. Continue reading

Instituto de Arte Contemporáneo

Jorge RiverosCon el nombre de Institute of Contemporary Art, comenzará sus operaciones el personal del antiguo Museo de Arte Contemporáneo de Miami. Después de meses de disputa entre la administración del Museo de arte contemporáneo (MoCA) y la dirección de la ciudad de North Miami, el pasado 6 de agosto se anunció la nueva institución. Continue reading

Exposición Projeto Parede (Proyecto Muro MAM)

Jorge Riveros

Exposición Proyecto Muro

São Paulo, Brasil

El Museo de Arte Moderno de São Paulo, presenta hasta el 14 de diciembre la segunda exhibición del proyecto “Muro MAM”, en esta ocasión con se presenta el trabajo de la artista Carmela Gross que combina los datos de los inmigrantes y con los nombres de accidentes geográficos de Tupi para abordar un aspecto de la formación de la sociedad brasileña.

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Elemento Latente: 10 Fotógrafos de América Latina

Jorge Riveros

Exposición

São Paulo, Brasil

El SESC Santana presenta hasta el 21 de septiembre la exposición Elemento Latente: 10 Fotógrafos de América Latina, curada por Emily Adams, muestra que cuenta con la participación de artistas brasileños, mexicanos y venezolanos: Gustavo Lacerda (Brasil), Carolina Krieger (Brasil), Marlos Bakker (Brasil), Claudia Aréchiga (México), Karina Muench (México), Pastor Elena (Venezuela), Cegarra Alejandro (Venezuela), Rómulo Peña (Venezuela), Stefan Schmeling (Brasil) y Mariza Versiani (Brasil).

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Exposición Marina Abramovic: Holding Emptiness

Jorge Riveros

Exposición

Holding Emptiness (Abrazar el vacío) es la primera exposición, durante la última década,  de Marina Abramovic en un museo español.  Se trata de una retrospectiva que abarca el trabajo de la artista desde mediados de los años setenta hasta la actualidad.

Comisariada por Fernando Francés, la muestra que estará abierta al público hasta el 31 de agosto en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, invita a los espectadores a interactuar con las obras a través de las sensaciones experimentadas con algunos de los objetos expuestos.

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Los ojos de Herbert Bayer

Jorge Riveros

Herbert bayer

“Los ojos han sido siempre temibles. Incluso hoy en día, ¿quién no teme ser víctima del mal de ojo? ¿Quién no cree en el poder de la mirada?” Lo dice Pedro Azara en su fascinante El ojo y la sombra. Es tan impresionante el poder del ojo que con frecuencia reducimos el encuentro y conocimiento con el otro a través de su mirada (inmediatamente también a través de su palabra) Es aún más impactante cuando lo reconvertimos en significado de la mirada interior. Y el simbolismo del ojo se extiende por doquier. Contemplarse los ojos entre enamorados, más allá de la hermosura formal que puedan tener, ¿no es sino la búsqueda de la belleza íntima del otro? Y la búsqueda de la belleza, ¿no es otra cosa sino la necesidad de percibir y aprehender el conocimiento, misión harto improbable si no imposible, del otro? Continua Azara: “Unos ojos bien abiertos evocan o simbolizan la vida, el despertar de la vida. Solo los muertos y los durmientes  -Sueño y Muerte, hijas de la noche, eran divinidades hermanas en Grecia- cierran los ojos. De los mismos seres vivos se decía que eran el sueño de una sombra.”
 
Más allá de la concepción al uso de los ojos en un retrato, siempre me cautivaron los que Herbert Bayer, ilustrador y tipógrafo vinculado a la Bauhaus durante un tiempo, refleja en dos palmas y en dos manos. El asimetrismo de estas lo es también de los ojos, lo cual produce más desasosiego e intriga. Supongo que al pensamiento lógico griego no le gustaría, por lo tanto, la representación. El ojo fuera de sitio se había quedado en territorios de la India, pero ¿quién puede poner puertas a la representación simbólica? El ojo fuera del lugar convencional, digamos, conlleva una carga onírica, surreal y, por lo tanto, con una potencia no controlada fácilmente. Un ojo en cada mano no son dos meros ojos que observan. El truco consiste en que parecen configurar un rostro, desigual y severo, pero ellos no nos miran sino que nosotros nos miramos a través de ellos. Un ojo de la bondad y otro de la perversión, uno de la generosidad y otro de la avaricia, uno de la justicia y otro del atropello, uno del conocimiento y otro de la ignorancia…y así, en una competición de sinónimos y antónimos de las conductas humanas.
 
Pero esos ojos, que son nuestros propios ojos, disponen sobre todo de luz. Tiempos estos en que vivimos en que pretenden quitarnos la luz, la mirada, el concepto claro de las cosas, haciendo que el ojo sea figurativo, único, intrascendente, dirigido. Ojo gobiernos, ojo televisión, ojo mercados, ojo publicidad, ojo ideologías, ojo religiones, ojo cibernético…en definitiva, ojo reducido a su mínima expresión efectiva.¿Somos alguien si miramos todos con el mismo ojo y en la misma dirección que se quiere que miremos? Esos ojos inquietantes, fuera de sitio, llamados también heterotópicos, han existido siempre en todas las culturas y dudo que la que ahora se pretende instalar uniforme los pueda disolver. Probablemente son nuestros ojos interiores cuyo vuelo no puede detenerse ni su mirada cegarse.
 
 
Fuente: elmundo.es

El documental Fundación Ambulante llega a Colombia

Jorge Riveros

Fundación Ambulante

Bogotá, Colombia

La Fundación Ambulante, dedicada a apoyar y difundir el cine documental llega a Colombia. La organización sin ánimo de lucro, fue fundada en 2005 por Gael García Bernal, Diego Luna, Pablo Cruz y Elena Fortes,

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Durero, el genio del grabado

 

“Escudo de armas con calavera” 1503/ Buril El arte que corresponde al Renacimiento comprende –en un marco amplio- los siglos XV y XVI. Nació en Florencia y se caracterizó en gran medida por la renovación en las formas pictóricas que surgieron desde la Antigüedad Clásica y que mostraron en su más amplia expresión la nueva perspectiva del hombre frente al mundo. El Renacimiento se expandió por casi toda Europa pero tuvo un fuerte asentamiento en Italia, España y Alemania. Al igual que Leonardo Da Vinci o Miguel Ángel, el nombre de Alberto Durero (1471 – 1528) se asocia- al de de los grandes artistas de este período.

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“La huida a Egipto” ca. 1504 – 1505 / Entalladura Durero es por excelencia el principal exponente de la escuela alemana y es maestro en dibujo y uno de los teóricos más importantes de la historia. Este artista se formó con la influencia de los talleres nórdicos y flamencos y sus viajes supusieron una nueva mirada a la concepción del arte.

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“Éxtasis de santa María Magdalena” 1504 – 1505/Entalladura La exposición “Durero. Grabados 1496-1522”, curada por la historiadora del arte Rosa Perales Piqueres, estará abierta al público en el Museo de Arte del Banco de la República a partir del 1 de Agosto hasta el 3 de Noviembre del 2014. Las obras provienen de la Colección Dal Bosco, una de las colecciones privadas de grabado más importantes de Europa. La exposición muestra varias etapas de la trayectoria de Durero y está dividida en seis ejes temáticos donde se exhibirán 113 grabados originales del artista alemán. Esta selección de obras enfatiza en diferentes técni8cas usadas por el artista como son la xilografía, buril, punta seca y aguafuerte.

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“El caballo grande” 1505/Buril ‘Pasión sobre cobre’ es una de las temáticas centrales y comprende el periodo entre 1507- 1513. Esta serie se compone de 16 estampas grabadas en buril sobre plancha de cobre y aunque nunca se editaron en conjunto, fueron publicadas en 1513. En este segmento se muestra la dignidad del sufrimiento espiritual que caracteriza a la figura de Cristo en el momento culminante de la oración en el huerto.

 

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‘La Virgen con el niño al pie de la muralla’ 1514/Buril “La pasión grande” y “la vida de la Virgen” son series con gran sentimiento religioso. Tiene un carácter más dramático en la primera y más sentimental en la segunda. En ambas estampas se advierte la diferencia entre el antes y después del viaje a Italia. Mientras que las primeras tienen rasgos del último arte gótico, las segundas son un buen ejemplo del nuevo arte renacentista que se basa en la perspectiva científica, en el conocimiento de la anatomía y la comprensión de las formas clásicas de construcción. Los artistas alemanes no imitaron en su totalidad las figuras o los gestos plasmados por los pintores y escultores italianos sino que por el contrario adaptaran los nuevos principios del arte a su propio estilo e ingenio.

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“La asunción y coronación de la Virgen”1510/ Entalladura “La pequeña pasión” es la joya del Renacimiento alemán fue hecha entre 1509 y 1511, año en que se editó en forma de libro. Tiene 37 xilografías entre las que está el “Varón de dolores” en el frontispicio. Esta obra fue sustituida en la edición veneciana por un medallón con el perfil de Durero. Esta tuvo gran difusión y popularidad en las primeras décadas del XVI e inspiró a varios artistas como Marcantonio Raimondoi y Simon Bening entre otros. Influyó especialmente a artistas italianos en el tratamiento formal de sus obras.

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“El caballero, la muerte y el diablo”1513/Buri “El gran carro triunfal” es una gran impresión en madera y fue encargado por el emperador Maximiliano I. Los proyectos monumentales reflejan la posición de Maximiliano como emperador del Sacro Imperio Romano y lo vinculan a los arcos triunfales de la Antigua Roma. Lo que se buscaba con estas obras era obtener una popularidad duradera. Esta Xilografía está compuesta por ocho folios que en su conjunto conforman toda la representación del carro triunfal. El carro es tirado por la razón, en cuyas manos está el poder y la nobleza. En esta obra se muestra una conciencia artística sobre la importancia de la difusión de las imágenes a través de las iconografías propagandísticas.

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“Melancolía I” 1514/Buril “Las tres obras maestras del buril” es una serie que va de 1513-1514. Contiene grabados en metal y se trabaja el buril. Dentro de esta serie se encuentran “El caballero, la muerte y el diablo”, “La melancolía” y “San Jerónimo”. Las tres obras utilizan el mismo formato y la misma técnica y representan tres formas de ver el mundo: el caballero cristiano, el genio creativo y el santo sabio y espiritual. El caballero representa el caballero cristiano de Erasmo y la melancolía representa un retrato espiritual de Durero.

Fuente: revistaarcadia.com